C’est un de mes frères qui me fit découvrir Funeral au moment de sa sortie. A ma première écoute, j’ai uniquement accroché avec le morceau Wake Up. Au fil des écoutes, j’ai finalement accroché avec l’ensemble de l’album. Petit bijou d’une musique rock alternative ou world selon appréciations, Arcade Fire nous offre un album qui a marqué la première décennie du 21e siècle. Écoutons le.

Arcade Fire maitre de la scène de Montréal

Devenu un véritable objet de culte en Amérique du nord, Arcade Fire n’en reste pas moins un objet bizarre, une sorte d’entité mouvante dont le couple Butler-Chassagne constitue certes l’épine dorsale, mais ne s’interdit pas les évolutions et autres redéfinitions du contour.

Nous aimons l’effort collectif Nous faisons tout pour que les gens qui jouent avec nous apportent leurs idées

, explique Win Butler. Ainsi, pour l’enregistrement de l’album Funeral, Butler et Chassagne ont largement laissé Richard Reed Parry, qui les accompagne sur scène, s’impliquer dans la création et les arrangements des chansons. Ils ont aussi convoqué des dizaines de musiciens amis pour l’enregistrement de leur disque à l’Hotel 2 Tango, ce studio légendaire du quartier de Mile End à Montréal, où se réalisent tous les disques d’A Silver Mount Zion et Godspeed Yo! Black Emperor.

Géographiquement très montréalais, Funeral l’est aussi par les sensations qu’il procure, par la liberté qu’il dégage. La découverte du disque provoque les sensations brutes et inédites qu’offrent d’habitude les groupes de Montréal. Pourtant, Win Butler et Régine Chassagne tiennent à conserver leurs distances avec ce que beaucoup appellent aujourd’hui un peu trop vite la « scène de Montréal ».

Tous les musiciens de Montréal se connaissent parce que c’est une assez petite vile, mais il ne faut pas croire que nous jouons de la guitare tous les dimanches autour d’un barbecue avec les membres de Godspeed ou Molassesé

, plaisante Régine Chassagne. Win Butlet ajoute: « Nos chansons ne sont sous-tendues par aucune ligne politique: nos cherchons simplement à traveiller avec les mélodies, et c’est deja beaucoup de travaille. »

Ce travail de songwriting patient et pointilleux est d’ailleurs le secret de la réussite majeure de Funeral. Complexes par moments, les chansons de Arcade Fire parviennt pourant à attauqer l’oreille avec autant de simplicité que de luminosité. Sur des titres comme Neighhborhood#1, Wake Up, ou Rebellion (Lies), on retrouve cette aisance mélodique, ces petits miracles de justesse à l’oeuvre chez New Order, les Pixies ou Radiohead, même si l’on peut raisonnablement pas affirmer qu’ Arcade Fire puisse ressembler à un des ces trois groupes.

Conçu comme un refuge après les décès successifs de plusieurs membres de la famille de Butler et de Chassagne, Funeral a largement dépassé sa vocation consolatrice. Et les groupe est aujourd’hui au coeur d’une énorme bataille de maisons de disques.

Vivre, c’est important pour faire des bons disques. Nous allons tourner en Europe, découvrir des pays dont nous avons toujours rêvé puis nous retournerons à Montréal, pour y chercher un endroit clame où vivre tous les deux

conclut Régine Chassagne. Une cabane au Canada. Voila le rêve modeste et fou de ceux qui nous ont rendu ivre de bonheur. a vie est parfois plus simple qu’on croit.

Funeral de Arcade Fire: conclusion

Funeral est un album qui peut plaire aux des fans de toutes les musiques, c’est à dire vous. Je vous recommande de vous le procurer plus vite d’un caribou en pleine course (ok c’est pas très drôle )

I ain’t happy, I’m feeling glad, I got sunshine, in a bag I’m useless,but not for long. The future is coming on

Gorrillaz, Gorrilaz, Gorrillaz… Je me souviens pas de l’age que j’avais la premiere fois que j’ai écouté le fameux Clint Eastwood. C’était au lycée, sous un arbre,…ou pas. J’imagine que tout le monde s’en fiche.

Marre de la pop, j’aimerais faire autre chose de nouveau.

Coincé dans sa chambre pendant le doux été 2001, le leader d’un des groupes les plus apprécié de la pop anglaise se penche sur un nouveau projet qui le tient à cœur. Un nouveau style de musique accompagné d’un jolie coup marketing : c’est partit.

Gorillaz, un projet mystérieux

Quel est l’histoire de Gorrillaz ? Qui sont ces personnages que nous découvrons ? Un punk excité et aux odeurs suspectes, répondant au nom de Murdoc et originaire du trou Stoke-on-Trent, aurait recruté de force son souffre-douleur 2D, chanteur timide, puis Russel, batteur volumineux d’Amerique, et Noodle, Japonaise bonsai, guitariste-teigne. Ensemble, ils auraient donné un concert dans un pub de Camden, lors d’une belle soirée arrosée.
Afin d’entretenir le truc, le buzz comme aiment dire nos amis marketeur, les journalistes jouent le jeu mais le canular ne prend pas très longtemps. Tout le monde comprend que Gorillaz n’est d’autre que le projet solo de Damon Albar, le chanteur du groupe ennemi d’Oasis, Blur.

Pour réussir son projet, monsieur Damon Albar tape dans le lourd. Il s’attache les services de Dan « The Automator » Nakamura (gros producteur), Jamie Hewlett (dessinateur de cartoon), Tina Frantz (Talking Heads), Miko Hatori (Cibo Matto), Del Tha Funky Homosapien (Deltron 3030, Hieroglyphics) et même le cubain Ibrahim Ferrer.
Le projet Gorillaz est lancé.

Gorillaz est certainement une des expériences musicales les plus marquantes des années 2000. L’idée d’une bande de personnages de bande dessinée donné beaucoup d’intérêt et de curiosité à ce projet. C’est difficile de catalogué cet album sur un genre, de soul-funk au hard rock, des balades à de la musique psychédélique latino-jazz, tout y est.

L’album possède beaucoup de morceaux sympathiques, qu’on récoute sans soucis 10 années après. Je pense aux energiques Clint Eastwood et Punk (chanson courte qui fait taper les mains, youhou), à 5/4 et 19-2000 (aucun rapport avec les lunettes). Pour les fans de Buena Social Vista Club, je vous conseille le titre Latin Simone qui nous fait voyager à Cuba en moins de deux minutes.

L’album a été plusieurs fois distingué par les magazines spécialisés (je pense nottament aux Inrocks et Rolling Stone magazine).

Une place à part dans la culture musicale

Gorillaz sortit 2 autres albums studio par la suite: Demons Days en 2005 avec notamment le single Fell Good Inc. et une collaboration avec De La Soul, Roots Manuva ou Neneh Cherry, et tout récemment Plastic beach avec la collaboration de Snoop Dogg, Lou Reed, Mos Def, Bobby Womack, Barry Gibb et De La Soul.
Le style de musique a beaucoup evolué et se rapproche de plus en plus du hip-hop. Je trouve que la qualité des albums est moindre par rapport au premier, mais ca reste toujours de Gorrilaz.

Gorillaz: conclusion

Gorillaz est un des albums les plus marquants des années 2000, les historiens de la musique ne manqueront d’en parler dans les décennies à venir

1. Pourquoi les Doors ? Qu’est ce qu’elles ont de si bien ces portes ?
2. Une ascension fulgurante

Les décennies passent, certaines musiques restent. La génération au dessus de moi les écoutait en boucle, la mienne fait la même chose. Les Doors ont révolutionné la musique à leur façon et je pense qu’il est possible qu’un jour je surprenne un de mes enfants écouter Riders On The Storm dans sa chambre. Le groupe, et surtout son leader Jim Morrison, a fait beaucoup parler de lui en bon comme en mauvais.

Julien Lepers : Je suis beau gosse, connu dans le monde entier et je fais du rock n roll. Quels sont potentiellement mes symptômes ?

Raymonde : Drogue, alcool et sexe ?

Julien Lerpers : Bravo Raymonde 50 points !

Du vivant de l’ensemble des 4 membres du groupe, Les Doors ont sorti 5  albums studios. Une fois n’est pas coutume, je ne vais pas parler de celui qui est à mon gout le meilleur (le premier album intitulé The Doors) mais de celui qui a réellement marqué un tournant dans leur courte histoire. Rédemption de Jim Morrison, nouveau style, pures merveilles poétique, dernier bijou avant le drame,… tels sont les termes qu’on peut associer à LA Woman sorti en avril 1971.
Vous n’avez le droit d’un extrait de 25 secondes par chanson (merci Deezer). Cliquez sur le widget pour écouter les chansons ou achetez le (cliquez sur le lien Amazon à droite).

L’Histoire des Doors fut courte, l’Histoire des Doors fut mouvementée.

Avant d’écrire l’album LA Woman, Jim Morrisson et ses compagnons sont passés par de nombreuses étapes.
Au tout début, Jim était un enfant introverti, fan de poésie. On a tous autour de nous un artiste ou une personne qui se prétend en être. Un artiste soit incompris ou soit tout simplement trop nul. Jim Morrisson faisait partie de ceux la. Souvent considéré comme un dégénéré, il attire cependant la sympathie de Ray Manzarek, claviériste prometteur. Ensemble, ils recrutent un guitariste (Robby Krieger) et un batteur (John Densmore) et choisissent un nom de groupe.

Pourquoi les Doors ? Qu’est ce qu’elles ont de si bien ces portes ?

Comme dit juste avant, nous avons des fans de poésie, de littérature psychédélique. Leur inspiration provient tout simplement du livre The Doors of Perception d’Aldous Huxley. L’auteur narre son expérience des drogues, livre s’inspirant lui-même du poème Le Mariage du Ciel et de l’Enfer, de William Blake :

« If the doors of perception were cleansed, every thing would appear to man as it is: infinite »

.

Une ascension fulgurante

Le premier album est tout simplement un bijou. Il comporte des morceaux aboutis comme Break On Through, Soul Kitchen, The Crystal Ship, Alabama Song, le tube Light My Fire qui fera connaître le groupe au grand public, The End chanson mélancolique et sa fameuse partie censurée (Father I Want To Kill You, Mother I want to f… ) qui permettra au groupe de se faire dégager de la majorité des clubs où ils jouaient. Les semaines passent, les Doors deviennent célèbres, Jim devient un sex-symbol. Le groupe est invité dans la plupart des soirées branchées et comme toute rock star de l’époque, la drogue commence à pointer le bout de son nez. Jim couche, Jim s’adonne à des pratiques parfois proche du satanisme, Jim est dans son monde. Malgré cela, d’autres albums sortent après The Doors, le très bon Strange Days (1967), le bon Waiting For The Sun (1968), le mauvais The Soft Parade (1969) et le moyen Morrison Hotel (1970).

Pendant ce temps la, Jim Morrison commence a avoir des divergences avec l’autorité et certaines cellules de prison ont le privilège d’accueillir un des idoles du moment. C’est la goutte d’eau qui fait déborder la vase pour le manager historique des Doors.

« Les gars, franchement, tout au long de ces années, nous avons fait du bon bouleau et ce fut vraiment un honneur d’être à vos cotés. Mais la je ne peux plus. J’arrête. Je vous souhaite vraiment bon courage pour la suite ». Pensant leur carrière morte et enterrée, Paul Rothchild quitte le navire.

Problèmes avec la police, avec la drogue, avec son manageravec la vie: Notre Jim Morrisson est fini… Mmh Pas forcément.  En avril 1971, l’album L.A Woman voit le jour, petite présentation.

L.A Woman ou la résurrection des Doors

L’album final des Doors en précense de Jim Morrision (deux autres albums sans Jim sont sortit par la suite) a pour nom L.A Woman. Certains fans pensent qu’il s’agit du chef d’œuvre ultime des Doors. Je ne suis pas spécialement d’accord mais on ne peut pas nier que tant d’un point musical qu’un de point vue contextuel, cet album est vraiment à part.

La plupart des groupes de rock respectent l’itinéraire suivant: on commence avec du blues, puis on tente de trouver notre style musical. Comme à leur habitude, les Doors font la chose dans le désordre en sortant un premier album labellisé Doors (un style bien psychédélique propre à eux) puis doucement tend vers le Blues.

L.A Woman n’est pas un album Blues à la Muddy Waters ou BB King. Les différents solos de Ray Manzarek et de Robbie Krieger accompagnés  à la voix de Morrisson ont donné un coté blues/rock qui n’était pas encore en vogue à l’époque. Même les rythmes assez jazzy de la batterie de John Densmore rendent les morceaux de cet album encore plus parfait dans son genre.

C’est fou comme certaines personnes peuvent changer musicalement. Comment les différents problèmes rencontrés dans une vie (drogue/ alcool, problèmes relationnels, renfermement sur soi même) peuvent faire évoluer sa façon de voir les choses et parfois sa façon de faire de la musique. En 1967, tout le monde voit Jim Morrison comme un chanteur de rock, sex symbol d’une génération, pas autre chose. Personne n’aurait pu penser que quatre années plus tard cela serait complément différent.

Écoutez le tube qui le plus populaire des Doors de cet époque, Light My Fire, puis comparer le avec Riders On The Storm, bijou qui conclu LA Woman. Qui pourrait penser qu’il n’y ait que quatre ans d’écarts entre les deux ?

Sur l’album LA Woman, Jim Morrisson semble être usé et fatigué. Il lui reste juste un peu d’énergie pour écrire quelques beaux poèmes… Rien de bizarre, rien d’obscure, … seulement honnête.

Du premier morceau The Changeling jusqu’à Riders On The Storm, chaque morceau vaut le détour.Le rhythmé Love Her Madly, le simple Cars His By My Window, le bohémian The Wasp ou le bijou ultime Riders On The Storm, un vrai coffre au trésor.

Nous pouvons dire que le gros thème de cet album est la vie à Los Angeles pendant les années 70. Une sorte de photo instantané de l’époque, la vie de personnes vivant au jour le jour. Ne serait ce finalement le journal intime de la vie de Morrisson et de Pam, sa soi-disante régulière de l’époque ? Lorsque que vous écoutez cet album, plusieurs ressentiments prennent place en vous: nostalgie, le désespoir, le tourment, la toxicomanie,… Vaut mieux être averti. Lorsque que vous entendez Jim Morrison crier dans Cars Hiss By My Window, vous avez l’impression qu’il savait déjà que la fin de sa vie approchait… Riders on The Storm semble être l’acceptation de ce destin…

La fin de Jim Morrisson et celle des Doors

A peine l’album terminé Pam décide d’emmener Jim en Europe et plus précisément à Paris. Elle espère au plus profond d’elle même qu’il lâche les Doors ainsi que tout l’univers qui va avec (Jimi Hendrix et Janis Joplin sont sont retrouvés morts drogués) et qu’il se consacre uniquement à son talent le plus fort selon elle: la poésie.
Au début, cela se passe plutot bien, Jim se ballade sur Paris et écrit vraiment quelques poésies. En ce matin du 3 juillet 1971, une rumeur éclate à LA: La star des Doors serait décédé. Non, finalement ce n’est pas une rumeur. Jim Morrisson est enterré à Paris au cimetière du Père Lachaise. Que s’est il passé ? Cela serait du à une overdose de drogue mais comme tout de rumeur de star qui se respecte, y en a qui pense que c’est tout simplement le FBI qui s’est débarrassé d’un être plus que dérangeant. This is the End, my only friend the End…

L.A Woman des Doors: Conclusion

Un des meilleurs albums des Doors, le 2e selon moi, chargé d’une histoire. La vie de Jim Morrission, des Doors voir de la musique rock en general a été bouleversé pendant cette période. Je vous conseille vivement de voir le dernier documentaire When You’re Strange soit  au cinéma, soit par DVD.
Il n’y pas de live sur les chansons de LA Woman. A la place, voici un de ses dernières apparition, place à la poésie…

Smashing through the boundaries, Lunacy has found me,Cannot stop the battery !

Pour la troisième fois de ma courte vie, je sors d’un concert de Metallica. Parc des Princes, Bercy puis maintenant Hall Garnier de Lyon : je me lasse pas. Avant que les Four Hoursmen entre sur scène, je discute avec un fan sur la fameuse question que beaucoup de Metallica-philes se posent : quel est le meilleur album jamais produit par le groupe ? Extrait.
- « Le Black Album » rétorque mon copain de soirée.
- « Black Album,t’es fou ? Le premier Kill ‘EM de l’époque Dave Mustain (aujourd’hui leader du groupe Megadeth) ou Ride The Lighting sont largement devant. Mais avant tout, en tant que fan soi-disant de Metallica, tu devrais être banni ! Le meilleur, celui qui fait l’unanimité : MASTER OF PUPPETS !!! ».
- « Ouais t’as pas tord gars »
Bon ba il n’est pas très causant notre ami metalleux.
Je vais en profiter pour présenter brièvement un de mes albums préféré. Évidemment, comme nous l’avons pu voir au cours de l’affaire Napster, l’album n’est pas dispo sur Deezer. Vous n’aurez malheureusement droit qu’à des reprises. N’oubliez pas la vidéo Orion au bas de cet article. Go !

Metallica nouvel icône du heavy Metal

Après de nombreux déboires avec leur ex néo guitariste Dave Mustain, Metallica prend enfin forme. Nous avons James Hetfield (chant et guitare), Lars Ulrich (à la batterie), Kirk Hammett (lead guitare), Cliff Burton (à la basse). Le groupe sort deux albums bien dans le style heavy Metal de l’époque, style empreinté à un des groupes fondateurs de ce style de musique j’ai nommé Black Sabbath. Entre 1982 et 1984 Metallica fait ses preuves et sort quelques morceaux encore et toujours joués pas leurs fans aujourd’hui: Seek & Destroy, Creeping Death, For Whom the bell dolls, The Four Horsemen…
Comment faire mieux pour nos 4 jeunes musiciens en herbes ? La réponse a pour nom Master Of Puppets.

Un nouvel album: Master Of Puppets

L’album commence par un petit acoustique, lentement… On ne sait pas encore vers où cette introduction nous mène. Un riff de guitare, un riff de bass combiné à un coup dans la caisse, on découvre le puissant Battery, l’album est lancé. Battery est le morceau le plus trash de Master Of Puppets. Ce qui en fait un morceau référence pour les fans de Metallica. Pour les fan de jeux vidéo, c’est le genre de morceau impossible à jouer sur Guitar Hero Metallica (suis pas un as de la gâchette). Qui dit trash métal dit parole qui vont avec. Battery raconte l’histoire d’un homme quelque peu énervé par la vie, qui a qu’une envie tout détruire autour de lui. Il est même près à tuer sa famille… Genre de personne au bout de rouleau on va dire. Les paroles sont absolument en adéaquation avec la musique. Le groupe a l’habitude de jouer ce morceau pour réveiller un public après une chanson plus douce du style Nothing Else Matters. Ça marche à tout les coups !!

Le morceau suivant est probablement le classique par excellence. Selon les dire même du groupe, le morceau Master Of Puppets est probablement celle qui a parmi au groupe de se faire une place pendant quelques décennies parmi les meilleurs groupes d’heavy metal. A l’instar de Battery, cette chanson est rapide, lourde et bourrée d’énergie. Le solo de Kirk Hammet au milieu illustre bien tout ca. Le morceau narre les pensées et ressentiments d’une personne addict à la drogue. Autobiographique, Metallica fait bien comprendre à leur fans que la drogue c’est pas cool du tout et qu’il ne faut surtout pas y toucher !

On enchaine sur le seul morceau de l’album que j’apprécie moyennement. The Thing That Not Should Be a pourtant un riff intéressant mais je sais pas, j’accroche pas.

La suivante est un peu intéressant. Assez proche de Fade To Black, elle commence doucement et monte légèrement en puissance. Arès Battery et Master Of Puppets, c’est la 3e single de l’album. Gaité toujours, Welcome Home Sanatirium nous raconte l’histoire d’une personne avec quelques déficiences mentales. Les lyrics sont assez dures et sont vous me direz assez proches de ce qu’on voit parmi les groupes de heavy metal de l’époque.

Les deux morceaux suivants Disposable Heroes et Leper Messiah sont un peu moins connus des non initiés mais valent quand même un détour.

On enchaine ensuite sur le fameux Orion (voir vidéo de fin d’article).  Instrumental découpé en deux morceaux, une première lourde et une seconde plus mélodique, elle devient le morceau symbole de l’ancien bassiste Cliff Burton. Pourquoi? Parce que même les fans de hip-hop que je connais m’ont fait remarqué le solo de bass d’Orion. Véritable chef d’œuvre, le groupe n’a joué qu’une fois ce morceau en live depuis le décès de Cliff (voir le prochain paragraphe)

Nous terminons avec Damage, Inc qui conclue l’album Master Of Puppets. Petite mise en bouche d’un peu plus d’une minute puis montée en puissance, Damage est une des chansons qui illustre ce que Metallica aime tout simplement faire.

Une tournée qui finit en drame

Fort du succès de l’album, le groupe part en tournée aux États-Unis, au Japon et en Europe. La fameux Damage, Inc Tour. Faute de moyens, le groupe tourne de ville en ville avec un bus affrété spécialement pour l’occasion (vous me direz, de nombreux groupes font encore cela aujourd’hui). La tournée européenne se passe pour le mieux (seules les villes du Royaume Uni et de Scandinavie ont été visité jusque la). C’est en Suède que tout s’arrête net. Le groupe est en vadrouille et mangent kilomètres après kilomètres.

- « Je vais me coucher là » Kirk Hammet

- « Non laisse moi cette place,  elle est moins confortable » Cliff Burton

- »Merci, je vais dormir au fond du bus »

Le 27 septembre 1986, le bus sort de la route et tombe. Les occupants sont blessés et paniqués. Cliff Burton ne s’en sort pas. Il quitte Metallica pour toujours.

La plupart des puristes e considère comme un des plus grand bassiste de métal. Une vidéo sortira pour lui rendre hommage. Voici les  extraits des meilleurs  solos de Cliff Burton.

Master Of Puppets dans la légende

A la fin du siècle dernier, de nombreux magazines rock et métal ont recensés les albums qui ont marqués le siècle. Master Of Puppets fut cité dans la plupart des cas. Je suis d’accord avec vous, la plupart de ces classements sont bidon, mais c’est en fait. Si vous n’avez pas encore écouté l’album apogée de Metallica, courez l’acheter: Obey you Master !!

Ooo, you make me live. You, you’re my best friend.

Je ne vous présente pas Queen. Si vous déjà gagné quelque chose dans votre vie, vous avez probablement fêté votre victoire sous le fameux « We Are The Champions », ou même danser comme des dégénérés sur « We Will Rock You ». Queen fait parti des groupes qui ont profondément marqué l’histoire du rock n roll, et si nous pouvions ramener quelques artistes rock à la vie Freddie Mercury serait probablement sollicité. Car en effet, je n’ai jamais eu le privilège de voir Queen en concert, à Wembley ou autre part. Le groupe rock composé de notre Freddie, de Brian May, Roger Taylor et John Deacon aura produit 14 albums. Parmi cette petite liste sympathique, j’aimerais attirer votre en attention sur un album en particulier, le 4e du groupe, le meilleur, le plus beau: A Night At The Opera. A travers celui-ci, Queen nous aura prouvé de nombreuses choses, utiliser plusieurs styles de chansons mélodieuses, et écrit une des chansons les plus marquantes (à mon goût) du vingtième siècle: Bohemian Rhapsody. Seules deux morceaux sont disponibles ici, cliquez sur le widget Deezer pour avoir la suite de l’album.

Des débuts prometteurs pour Queen

Queen se cherche et essaie de se trouver un style musical. Plutôt orienté rock voir même parfois rock psychédélique, le groupe a du mal à faire décoller ses ventes. Le premier vrai album du groupe tout simplement appelé Queen (1973) permet au groupe de prendre ses marques et d’attirer la curiosité de quelques fans. Queen II sorti un an plus tard et Sheer Heart Attack l’année d’après renforce l’identité du groupe dans le paysage pop de l’époque.

« Les gars, on nous connais maintenant il faut surtout pas nous oublier ».  A Night At The Opera commence à être pensé, le discours est compris 5 sur 5.

A night at The Opera with Queen

A Night At The Opera commence le puissant Death On Two Legs (Dedicated To…). Si vous prenez le temps d’étudier les paroles, vous apercevrez qu’il ne s’agit pas d’une éloge ou une déclaration d’amour en vers quelqu’un mais plutôt une charge violente. Recadrons le contexte: Queen commence leur carrière et sont managés par un certain Norman Sheffield. Ce dernier agit comme ‘un voyou’ et met en rogne le groupe et notamment Fred Mercury, chose à ne absolument pas faire. Le chanteur vedette de Queen tient à se venger et compose seul cette chanson. Les autres membres de Queen ne pensent pas que cela soit une bonne idée et sont vraiment impressionnés par la violence des paroles. Ils ne sont pas convaincu par l’intérêt de ce morceau.

« Que dalle les gars, ce mec s’est bien fichu de nous et  il mérite qu’on lui fasse une petite dédicace. Je vous demande juste de jouer vos instruments dessus et je pendrai la responsabilité pour quoi que ce soit »

« Ok Freddie mais cite pas son nom sinon on va avoir des problèmes »

Bien qu’il n’ait pas cité de nom, Norman Sheffield s’est immédiatement reconnu et porte plainte contre Queen pour diffamation. En voila un qui aurait une nouvelle fois de plus du se taire.

Le morceau suivant, Lazing On A Sunday Afternoon, calme un peu les choses. Chanson simple avec une intro piano joué par Mercury suivi d’un mini solo de guitare. Cet interlude sert d’introduction au morceau suivant.

I’m In Love with my car a été écrit par Roger Taylor, probablement la plus reconnue de ses chansons. Comme vous pouvez, j’imagine, comprendre en traduisant le titre du morceau, il s’agit d’une véritable déclaration d’amour à sa voiture de l’époque (une Triumph TR4 selon des spécialistes de Queen). Certains pensent qu’il s’agit d’une métaphore et qu’en fait Roger Taylor s’adresse directement à une fille, mais selon moi il n’en est rien: c’est un fan de voiture, tout simplement

Le chanson suivante n’a également pas été écrit par le Mercury ou May. John Deacon compose ici pour la première fois pour Queen You’re My Best Friend et moi je peux vous le dire, j’apprécie beaucoup !

L’album continue avec ’39 (une histoire assez orientée science fiction où des personnes arrivent dans un futur où toutes les personnes qu’il avaient connues n’existent plus),  Sweet Lady, Seaside Rendez-vous, The Prophet Song.

Les deux morceaux suivants sont le fruit des des principaux membres du groupe Queen.  Tout d’abord Brian May et son morceau Good Company qui donne un style plus jazzy à A Night At The Opera; et Freddie Mercury avec Love Of My Life (qui nous prouve une fois encore que notre Freddie a souvent été considéré comme un très bon chanteur mais trop peu comme un très bon pianiste).

Nous nous dirigeons vers le dernier vrai morceau de l’album, la dernière piste est une reprise de God Save The Queen en hommage à la prestation de Jimi Hendrix à Woodstock.

Bohemian Rhapsody, la chanson ultime de Queen

« J’ai envie de faire quelque chose de nouveau, de mélanger les styles de musique, mélanger l’opéra avec le rock n roll qu’on aime ». L’opéra rock, c’est le rêve que désire atteindre Freddie Mercury avec le peu de moyen technique de l’époque (nombre limité de bande).
Le premier qui me parle d’une des comédies d’aujourd’hui comme style d’opéra rock, je le renvoi à ses livres d’Histoire. L’opéra rock à la Freddie Mercury, c’est Bohemian Rhapsody.

La production a mis le paquet pour répondre aux exigences du groupe. Bohemian Rhapsody est encore aujourd’hui la chanson la plus chère jamais faite. Sur de son coup, Freddie Mercury alla jusqu’au bout de son ‘truc’ comme ses collègues disaient. Un peu de hard rock, un peu d’opéra, un peu de ballade et beaucoup de talents.

La chanson devient populaire et devient rapidement numéro 1 dans les charts.

Au moment de la mort du chanteur de Queen quelques années plus tard, Bohemian Rhapsody devant le symbole du génie Mercury et les singles ne finissent plus de s’écrouler.

Queen devient une référence du rock

De nombreux albums ont été produits par la suite, tous furent un succès. Jusqu’à ce que Freddie Mercury soit physiquement touché par sa maladie, Queen multipliait leur concerts et étaient tous ‘sold out’. Normal: le groupe est entré dans la légende du rock n roll…

A night at the Opera de Queen: conclusion

Un album qui sort du lot pour l’époque. Fan de mélodie, de diversité et de bonne musique: n’hésites pas une seconde à télécharger l’ensemble de A Night At The Opera sur ton MP3, cela nous prouvera que tu as du goût et nous te permettrons de nous conseiller d’autres artistes

J’ai rien prévu pour demain mais c’est déjà bien d’y penser

Tryo se revendique parfois comme un groupe plus ou moins à part. Pour moi, ce fut longtemps un groupe à la mode comme un autre. Jusqu’au jour où je me rendis pour la première fois à un de leur concert au Cabaret Sauvage. J’avais longtemps hésité entre y aller en voiture ou en métro et c’est finalement  mon véhicule privé que je pris. Cette décision anodine vous aller me dire m’empêcha de me retrouver face à un dilemme de taille : je rentre chez moi ou je reste jusqu’à la fin du concert ? Je pensais que comme la plupart des concerts que le show allait durer entre 1h et 2h et qu’après on pouvait rentrer chez nous. Que nenni. Cela a duré 4h ! Quatres heures debout lorsqu’on n’est pas préparé physiquement et mentalement, ce n’est pas forcément facile
Pendant tout ce temps, j’ai pu repenser au premier (et à ce jour meilleur selon moi) CD de Tryo : Mamagubida. Des aires qu’il m’arrive parfois de siffloter et que j’entends régulièrement chanter lors des festivals l’été. L’album n’est malheureusement pas disponible sur Deezer, voici quelques extraits en live.

Tryo: 3 potes qui sont 4

C’est d’abord  l’histoire de trois personnages, de trois amis: Manu Eveno, Guizmo et Christophe Mali.

Tous trois jouent de la musique dans leur coin. Puis les deux premiers commencent à jouer ensemble dans un groupe. Un beau soir, ils rencontrent Mali et commencent à avoir une affinité musicale.

De jours en jour, nos jeunes amis continuent de jouer ensemble et ils aiment ca. Leur musique semblent plaire et les premiers concerts commencent à apparaître dans leur agenda.
 » Eh les gars, si on veut faire de la scène, faut trouver un nom pour notre groupe. On est trois, on joue à trois, on aime être tous les trois : je propose pour le groupe le nom de Tryo « . Un nouveau groupe est né.
Nos amis écrivent et composent leur premiers morceaux et décident à terme de sortir leur premier album.

« Les gars, vous trouvez pas qu’il manque un petit quelque chose ?

-Mmmh, oui. Un mec qui s’occupe des percus »

Tryo partit à la chasse et revinrent avec un Daniel Bravo (non pas l’ancien joueur du Paris Saint Germain) dans leur sac. Ça y est tout est prêt l’aventure peut commencer. Nos 4 amis accompagnés de leur manageur commencent la production de Mamagubida.

Eh Jamy, ca veut dire quoi Mamagubida ?

En fait, Tryo a tout simplement repris les deux premières lettres de chacun des prénoms (Mali Manu Guizmo Bibou Daniel)

Bouche à oreille autour de Mamagubida

Il arrive parfois que des albums de groupe francophones deviennent des gros classiques pour moi. Qu’est ce qu’un classique dans mon univers ? Un CD qui s’écoute du début à la fin, puis se réécoute sans dommage 10 ans après. L’album commence avec L’Hymne de Nos Campagnes qui donne déjà un ton roots/reggae acoustique à cet album. Si on pouvait identifier un tube dans Mamagubida, c’est probablement ce morceau qui passa en boucle sur des radios généralistes…presque 10 ans près sa sortie.
La suite de l’album se consomme sans faim. Apaisement, calme, sourires et  revendications politiques sont les maitre-mots des morceaux Pour Un Flirt Avec la Crise, C’est du Roots, Regardes Les ainsi que le très réussi La misère d’en Face (voir la vidéo de fin d’article).
Nous continuons doucement sur une chanson rythmée demandant aux messieurs de considérer les dames qui finalement leur ressemble comme des femmes et non des p… (Un homme qui aime les femmes), puis continuons avec France Télécom, Yakamoné et Les Soldats de Plombs.

La dernière chanson de Mamagubida est de loin ma préféré, sans raison particulière. J’ai Rien Prévu Pour Demain est une remise en question d’une société qui va peut être trop vite au gout de Tryo, le tout rythmé comme il se doit.

L’album est fait, faut maintenant le promouvoir. Tryo n’a fait aucune publicité radio, TV, sur NRJ et consort… mais a uniquement reposer son succès sur le bouche à oreille (le buzz comme dirait nos marketeurs d’aujourd’hui). Les premières promotions dont je me souvienne sont ceux à propos de la tournée pour leur 10 ans.

Tryo fait sa place dans la paysage musical

L’album Mamagubida a véritablement lancé la carrière de Tryo. Le groupe monte en puissance au fur et à mesure des albums produits. Faut qu’ils s’activent et Grain de Sables sont eux aussi devenus des classiques. Les chansons comme Désolé pour Hier soir, Récréation ou le tout récent Toi et Moi prouvent que Tryo joue sur différents styles. Ils passent toujours avec brio de la chanson légère à celle fortement engagée. Si vous avez aimé Mamagubida, vous aimerez la suite sans aucune difficulté.

Mamagubida de Tryo: Conclusion

Je suis retourné voir Tryo au Zenith de Paris pour les 10 ans, préparé mentalement et physiquement ! C’était tout simplement impressionnant. Du succès de Mamagubida à leur récente apparition aux victoires de la musiques 2010, beaucoup de chemin à été parcouru… et je peux penser légitiment que d’autres bonnes surprises nous attend pour la suite

Je me souviens de la première fois que j’ai écouté du Santana, c’était au collège.
« Maria maria, She reminds me a west side storyyyyyy ». L’album Supernatural sort et son single phare passe en boucle sur toutes les radios. J’ai écouté l’album pendant quelques temps puis plus rien.
Arrivé à l’ère du numérique, j’ai pu écouter d’autres albums et plus particulièrement le premier album du groupe appelé tout simplement Santana. C’est le guitariste Carlos Santana, à la croisé des chemins du rock, du blues et de la world music, qui est le leader du groupe. En fait, il fait parti tout seul du groupe et propose à d’autres musiciens de l’accompagner. Certains seront restés plus longtemps que d’autres. Allez écoutons le premier album.

Santana: De Woodstock à Soul Sacrifice

La vie de Carlos Santana s’est joué à peu de choses. Au hasard, comme beaucoup me direz vous. Il apprend la guitare tout seul dans son coin et se découvre un petit talent. Carlos commence à faire la tournée des bars de Tijuana et commence à se faire des potes musiciens. Ils décident de jouer ensemble pendant quelques temps et l’idée d’enregistrer un album effleure leurs esprits. Le style du groupe s’est décidé naturellement: du blues-rock latino, de la world music diront certains.Un beau jour, un producteur les entend jouer et leur donne les moyens de réaliser leur premier album. Carlos Santana guitariste/leader, Gregg Rolie au piano, David Brown à la basse, Michael Shrieve à la batterie, puis Michael Carabello et Jose Areas aux percussions. Le groupe a de la gueule. Au fur à mesure des jours, le groupe peaufine les morceaux de l’album et il semble pas trop mal. Il n’en faut pas plus pour l’organisateur d’un certain festival de l’époque pour les inviter à jouer à leur premier grand festival.

« Les gars votre musique déchire, ca me fait planer. Je cherche justement des groupes comme vous pour mon festival. De la musique rock latino, c’est ce qui me faut. Vous êtes partant ?

-Ouais, pas de souci mais on a toujours pas sorti notre album et on est pas sur que notre musique plaise.-Moi elle me plait, faites votre valise et venez me rejoindre.

-Ok, il est ou ton festival ?

-A Woodstock, je vous y attend. »

La prestation de Carlos Santana et de son groupe restera à jamais comme une des plus légendaires du festival le plus connu du siècle dernier, à l’instar de Sly and the family stone, Jimi Hendrix ou des Who. Le point d’orgue est la prestation de Michael Shrieve sur Soul Sacrifice, un solo de batterie encore écouté par les plus grands batteurs d’aujourd’hui. L’album Santana sort seulement, le groupe est déjà populaire, le succès est annoncé.

Santana sous inspirations Hendrix et Lee Hooker

L’album est un mélange des styles musicaux que Santana adore: le blues et le rock. Il s’inspire donc d’idoles et nous voyons clairement ses inspirations.Le premier single du groupe, piste numéro 2 est Evil Ways. Une bonne entrée en matière qui, en fermant les yeux, nous font prendre un aller simple pour l’Amérique latine. Il n’est toujours pas nécessaire d’ouvrir les yeux pour écouter la suite. Nous enchaînons avec Waiting qui montre que Santana s’oriente vers un stye de musique assez inédit pour l’époque aux États-Unis: la world musique. Santana prend ses marques.La suite de l’album est tout aussi merveilleux jusqu’au célèbre Soul Sacrifice. J’ai beaucoup parlé de ce morceaux mais l’impact fut tellement important pour le groupe que ce serait une erreur de ne pas le faire. Les solos de batterie n’influencent pas autant que les solos de guitare pour le public, mais tout comme Moby Dick de Led Zepelin et Toad de Cream, certains morceaux arrivent à enfoncer les portes du panthéon de la musique.

Santana dans la continuité

Le groupe sort de nombreux albums et tente au long de toutes ces années d’autres styles musicaux, toujours orientés latino. Les concerts s’enchaînent et le public suit. Au cours des années 80, certains fans considèrent Carlos Santana comme un has been. Celui-ci répond de la meilleure des façons en sortant Supernatural : plus de 40 ans après Woodstock, notre Carlos sait toujours nous impressionner.

Work It Harder Make It Better Do It Faster, Makes Us stronger, More Than Ever Hour After, Our Work Is Never Over
Été 2001, je fête mon anniversaire avec une amie et sa mère dans un restaurant. Le moment du cadeau tant mérité arrive en même temps que le dessert. Après les avoir entendu chanter discrètement j’ouvre mon beau cadeau : le nouveau Daft Punk Discovery accompagné d’une carte me permettant de télécharger des trucs sur un site (que je n’ai jamais utilisé). J’avais écouté en boucle l’album Homework, je le connaissais par cœur. Da Funk avec son clip avec un chien, le fameux Around The World, Burnin’, Revolution 909,… J’étais prêt à repartir pour un tour.
Rentré chez moi, je mets le CD dans mon diskman et ce fut d’abord une claque. Pas une bonne, une mauvaise.
« C’est quoi ce CD ? C’est pas du Daft Punk ca, c’est de la pop ! ».
J’ai mis du temps à apprécier ce cadeau, me demandant où était passé le style Homework. Quand j’écoute Discovery aujourd’hui, je l’ apprécie beaucoup plus chanson après chanson. Appuyez sur lecture, c’est parti.

De Daft Punk à la French Touch

Daft Punk c’est deux amis: Thomas Bangalter et Guy-Manuel de Homem-Christo.
C’est sur les bancs d’un lycée parisien que la genèse du groupe s’est formé. Gros passionnés de musique, ils tentent leur première aventure musicale en formant un groupe. Le succès n’est pas au rendez-vous.
Un peu plus tard, nos deux recalés de la musique rencontrent une personne qui les initie à la musique électronique. L’expérience est concluante, ils aiment et pensent avoir le talent nécessaire pour aller plus loin.
« -Thomas, avant d’aller plus loin dans ce qu’on fait, il nous faut un nom de scène. On prend quoi ? T’as une p…. d’idée.
-Bof, Bof… Mais c’est marrant que tu me parles de cela, je suis en train relire une vieille critique datant de l’époque où nous faisions du Rock N Roll. Regarde, pas très positif..
-« Their music are like Daft Punk », pff aller on va s’appeler les Daft Punk».

Le groupe est né et s’en va faire la tournée des clubs. Dans la foulée, le nouveau groupe sort en 1997 l’album Homework, succès international pour nos 2 Daft Punk chéris. Da Funk et surtout Around The World tournent dans les boîtes de nuit. La presse anglophone intègre le groupe dans la French Touch (nous sommes dans une époque où la musique électronique française est fortement appréciée) et les considère parmi les héritiers du groupe allemand des années 70 Kraftwerk. C’est le début de la gloire pour nos deux robots (Thomas et Guy Manuel ne montrent pas leur vrai visage en publique mais dans une tenue de robot).

Discovery: on danse sur du Daft Punk

L’album commence avec le titre One More Time avec en guest Romanthony (voie assez connu apparamment chez les puristes du genre que je ne suis pas). Ce premier morceau annonce la couleur du nouvel album de Daft Punk et entrevoie la rupture avec Homework. One More Time se veut plus populaire : nous avons tous envie de se trémousser dessus. L’album enchaîne avec Aerodynamic avec son solo de guitare à faire pâlir Jimmy Page, Digital Love, le célébrissime Harder Better Faster Stronger (sample repris par de nombreux artistes dont Kanye West) puis nous continuons avec Crescendolls qui peut s’averer parfois plus utile qu’un café le matin pour se réveiller. Finalement, lors de vos soirées, si vous n’avez de DJ attitré, vous pouvez laissez l’album en boucle. Ca vous fera une heure de répit.
En marge de cet album, Daft Punk produira 4 clips extrait du film d’animation orienté manga Interstella 555. Ces clips vont suscités la curiosité de nombreux fans et va contribuer fortement à la promotion de l’album. Le film complet quant à lui rencontrera aussi un succès.

Daft Punk au sommet

L’album Discovery a permis au groupe de se faire connaitre par les fans de tous les styles de musiques. Finalement, cet album fut une des étapes vers la consécration pour Daft Punk. L’album suivant, Human After All sorti en 2005 fut un succès incontesté et l’album enregistré lors d’une de leur prestation Alive 2007 fait figure ajourd’hui de Best Of remixé pour le groupe. Pour couronner le tout, Daft Punk a enfin reçu 2 grammy Award lors des cérémonies de 2009. L’aventure continue pour Daft Punk…

Discovery de Daft Punk: Conclusion

Grand classique de la musique électronique, Discovery de Daft Punk a su se faire une place parmi les amateurs de l’album Homework et des friands d’electro plutôt orientés pop. Une addiction allant jusqu’à s’amuser le matin sur l’application iDaft sur l’iPhone… Qui a dit geek ?

There is a blue one who can’t accept the green one For living with a fat one trying to be a skinny one

Sly Stone n’est peut être pas le chanteur le plus célèbre du monde. Moi-même, j’ai longtemps ignoré l’existence de ce personnage. Et pourtant, cette voix particulière de Sly Stone : tout le monde l’a connait. Parfois orientée funk, d’autres fois plus rock psychédélique, la musique de Sly and the Familly Stone a influencé de nombreux groupes par la suite. Après le succès de Dance To The Music, Sly and the Familly Stone revient à la fin des années 60 avec un nouvel opus : Stand ! C’est parti.

Sly And the Family Stone : un groupe familial

Le groupe Sly and the Family Stone tourne surtout autour d’un leader chanteur, compositeur et musicien : Sly Stone. Sa voix est aujourd’hui classée parmi les plus légendaires de la funk et la musique en général, Sly Stone a su imposé son style dès le début de ses prestations.

Deux autres membres de la famille participeront à l’aventure: le guitariste Freddie Stone et sa soeur à la voie incomparable Rose Stone . D’autres membres du groupe influenceront le style de musical de Sly and The family Stone comme le batteur Greg Errico ou la trompettiste Cynthia Robinson.

Stand : Sly Stone réuni les peuples

Les chansons de l’album Stand sont en adéquations avec l’esprit de l’époque. A l’instar de quelques autres albums présentés sur ce blog, nous sommes en pleine période de ségrégation raciale. Les noirs écoutent de la musique de noirs, les blancs de la musique de blanc. Sly and The familly stone fait partie des groupes de l’époque qui attire l’ensemble de la population américaine et internationale.
La chanson phare de l’album Stand Everyday People est un hymne à la paix et au rapprochement entre les peuples.
« Peu importe que tu sois vert, violet, noire ou rouge. Que tu sois gros, moche ou unijambiste. Nous sommes tous des frères ». Ces propos peuvent paraitre un peu gros mais c’est quasiment inédit pour l’époque. Le morceau Don’t Call Me Nigger suit également cette voie. L’album continue avec I Want To Take You Higher et le très (trop) long Sex Machine, semblent un peu plus légers.

Sly The familly stone : Stand et woodstock

L’album Stand a permis à Sly and the familly stone de faire leur preuves, de se démarquer de nombreux groupes. Nous sommes à la fin des années 60 et l’organisation d’un festival commence à prendre de l’ampleur : Woodstock
« Bon les gars, pour notre festival, il nous faut quelque chose de lourd, de nouveau, d’entraînant et de populaire. Les Doors ne viendront pas, Jim Morrisson n’est plus dans le coup. On prend qui ?
Sly and the familly Stone Chef?
Oui, Billy t’as de bonnes idées quand tu t’y mets »

Notre équipe ne se fera pas prier et ils donneront probablement le concert le plus mythique qu’ils aient eu l’occasion de faire.
Le groupe connait alors son apogée qui se prolongera jusqu’à la sortie de l’album There’s a Riot Goin’ On en 1971. La suite sera moins glorieuse…

Stand Sly and the familly stone : conclusion

Un album qui ravira tous les fans de funk. La chanson Every Day People est un hymne à la paix entre les peuples. A écouter de toute urgence.